En salles : Après sa généalogie de la violence – Gangs of New-York – celle de la névrose obsessionnelle – Aviator – celle de la corruption – Les Inflitrés – et celle de la folie – Shutter Island – Martin Scorsese nous livre une généalogie plus profonde, plus intime et plus secrète : celle de sa cinéphilie, celle de son amour pour le cinéma.
Et tout d’abord, un énervement : oubliez la promo qui essaie de faire passer Hugo Cabret pour un film de Noël, avec tout ce que cela entend de mièvrerie, de guimauve et de consensuel. Est-ce parce que le film est narré du point de vue d’un enfant ? Alors, à ce compte-là, il faudrait également re-qualifier films de Noël La Nuit du Chasseur, L’Empire du Soleil, Les 400 coups, Charlie et la chocolaterie ou L’Autre de R. Mulligan !!! Hugo Cabret n’a qu’une malchance de ce point de vue-là : sortir pendant la période des fêtes.
Eblouissant
Il est vrai cependant que sur le papier, il y avait de quoi laisser sceptique à voir le réalisateur de Taxi Driver, toujours aussi virtuose, mais un peu endormi sur ses lauriers ces derniers temps, s’attaquer à une sorte de Harry Potter en utilisant la 3D. C’était mon cas – la surprise n’en a été que plus intense : car Hugo Cabret est un film é-bloui-ssant, intense et généreux, entrant directement et par effraction dans mon top 10 2011.
Avec Hugo Cabret, Scorsese instaure un double dialogue, avec le cinéma - celui des origines et celui d’aujourd’hui – et avec les générations de spectateurs : les vieux, les jeunes, les cinéphiles, les scorsesiens – pour livrer l’œuvre la plus intime qu’il ait tournée depuis A tombeau ouvert. Car c’est la 1ère fois qu’il traite frontalement de ce qui le passionne, et me passionne : sa cinéphilie. Et parvient à réconcilier toutes les familles du cinéma. C’est là toute la magie de ce film. Décryptage.
Eblouissant
Il est vrai cependant que sur le papier, il y avait de quoi laisser sceptique à voir le réalisateur de Taxi Driver, toujours aussi virtuose, mais un peu endormi sur ses lauriers ces derniers temps, s’attaquer à une sorte de Harry Potter en utilisant la 3D. C’était mon cas – la surprise n’en a été que plus intense : car Hugo Cabret est un film é-bloui-ssant, intense et généreux, entrant directement et par effraction dans mon top 10 2011.
Avec Hugo Cabret, Scorsese instaure un double dialogue, avec le cinéma - celui des origines et celui d’aujourd’hui – et avec les générations de spectateurs : les vieux, les jeunes, les cinéphiles, les scorsesiens – pour livrer l’œuvre la plus intime qu’il ait tournée depuis A tombeau ouvert. Car c’est la 1ère fois qu’il traite frontalement de ce qui le passionne, et me passionne : sa cinéphilie. Et parvient à réconcilier toutes les familles du cinéma. C’est là toute la magie de ce film. Décryptage.
Renouveau narratif
1 - Tout d’abord, Scorsese aborde en genre tout neuf pour lui, qu’on aurait plus volontiers prêté à Steven Spielberg ou Tim Burton : le récit initiatique. Situé à la fin des années 20, avec comme caverne platonicienne la gare du Nord, habitée par des personnages tout droit issus des contes chers à Bettelheim : un gardien aux dimensions ogresques ; un roi sans royaume ; une princesse à la fois guide et conseillère ; un orphelin à la quête de ses origines ; un automate aux pouvoirs oniriques mystérieux…Carton plein sur tous les plans : avec ce renouveau narratif, Scorsese montre qu’il est en très grande forme !
Inscrire la 3D dans une perspective généalogique
2 – Derrière Hugo Cabret et son automate, c’est Martin Scorsese et son nouveau joujou que l’on retrouve : la 3D, appréhendée non d’un point de vue technique – Cameron est passé par là ! – mais d’un point de vue cinématographique et narratif. Impossible de ne pas être étourdi par la virtuosité et la fluidité du plan d’introduction qui nous mène d’un même mouvement des rouages d’une horloge mécanique à la place de l’Etoile avant de fondre dans les méandres de la Gare du Nord ! Mieux : avec ce film, Scorsese intègre la 3D dans une perspective historique et place le spectateur d’Hugo Cabret de 2011 dans le même état que celui de 1895 face à l’arrivée du train en gare de La Ciotat : émerveillement et étourdissement ! Après avoir réalisé le dernier grand film en décors à l’ancienne reconstitués en studio à Cinecitta – Gangs of New York – il livre 10 ans plus tard le 1er film fondateur de la 3D – chapeau !
2 - Derrière la quête de réhabilitation du vieillissant Georges Méliès par le jeune Hugo Cabret, c’est celle qui inlassablement a conduit Scorsese à restaurer des films, à ressusciter l’oeuvre d’un Michael Powell ou à nous raconter sa splendide Histoire du cinéma américain. D’ailleurs, dans la figure de Méliès, impossible de ne pas y voir une allusion au cinéaste britannique inlassablement réhabilité par Scorsese – cf la restauration récente des Chaussons rouges.
Redonner vie au cinéma des origines
3 – A travers ce récit initiatique, Scorsese rend hommage et redonne vie au cinéma des origines : Méliès, bien sûr, en y truffant des extraits de ses films (voyage dans la lune, etc…), mais aussi Harry Langdon suspendu aux aiguilles d’une horloge, Charlie Chaplin, etc. Et quel plaisir de voir reconstituer le studio de verre de Méliès, les péripéties de ses tournages, cette petite entreprises familiale et artisanale ! Mais attention : Scorsese n’est jamais nécrophile ou naphtalin, toujours dans le ravissement et l’éblouissement. Et rend hommage à ces fous filmant, inventeurs d’une science des rêves toujours à l’œuvre. Symboliquement, Scorsese s’inscrit lui-même dans cette généalogie en tant que passeur, à l’image du discret cameo qu’il effectue en photographe du studio Méliès.
Chapeau maestro !
4 – Enfin, le plaisir ne serait pas total si Hugo Cabret restait cantonné dans l’hommage pur et simple. Non content d’épuiser les potentialités de la 3D et de les magnifier, non comme gadget, mais comme moyen narratif, non content d’inscrire la 3D dans une perspective généalogique en dialoguant avec le cinéma des origines, Scorsese livre là un film purement scorsesien - les thèmes du passage, de l’intégration dans une communauté, de l’affranchissement d’un milieu pour en intégrer un autre, de la reconstruction d’une famille ne sont-il pas purement scorsesiens ? – et semble rassembler plusieurs familles de cinéma. Celle des frères Coen, via ces horloges mécaniques tout droit sorties du Grand saut, ou la présence au générique de Michael Stuhlbarg A serious man. Ou celle de Tim Burton : via la présence de Christopher Lee, l’un des acteurs fétiches du réalisateur, celle plus discrète, de Johnny Depp co-producteur du film, et sosie du Django Reinhardt apparaissant le temps d’une séquence, et celle de Sacha Baron Cohen, grain de folie à la Joe Pesci, déjà au générique de Sweeney Todd. Et du coup, de ravir tous les publics, du plus cinéphile au plus jeune, du plus scorsesien au plus burtonien.
Inscrire la 3D dans une perspective généalogique
2 – Derrière Hugo Cabret et son automate, c’est Martin Scorsese et son nouveau joujou que l’on retrouve : la 3D, appréhendée non d’un point de vue technique – Cameron est passé par là ! – mais d’un point de vue cinématographique et narratif. Impossible de ne pas être étourdi par la virtuosité et la fluidité du plan d’introduction qui nous mène d’un même mouvement des rouages d’une horloge mécanique à la place de l’Etoile avant de fondre dans les méandres de la Gare du Nord ! Mieux : avec ce film, Scorsese intègre la 3D dans une perspective historique et place le spectateur d’Hugo Cabret de 2011 dans le même état que celui de 1895 face à l’arrivée du train en gare de La Ciotat : émerveillement et étourdissement ! Après avoir réalisé le dernier grand film en décors à l’ancienne reconstitués en studio à Cinecitta – Gangs of New York – il livre 10 ans plus tard le 1er film fondateur de la 3D – chapeau !
2 - Derrière la quête de réhabilitation du vieillissant Georges Méliès par le jeune Hugo Cabret, c’est celle qui inlassablement a conduit Scorsese à restaurer des films, à ressusciter l’oeuvre d’un Michael Powell ou à nous raconter sa splendide Histoire du cinéma américain. D’ailleurs, dans la figure de Méliès, impossible de ne pas y voir une allusion au cinéaste britannique inlassablement réhabilité par Scorsese – cf la restauration récente des Chaussons rouges.
Redonner vie au cinéma des origines
3 – A travers ce récit initiatique, Scorsese rend hommage et redonne vie au cinéma des origines : Méliès, bien sûr, en y truffant des extraits de ses films (voyage dans la lune, etc…), mais aussi Harry Langdon suspendu aux aiguilles d’une horloge, Charlie Chaplin, etc. Et quel plaisir de voir reconstituer le studio de verre de Méliès, les péripéties de ses tournages, cette petite entreprises familiale et artisanale ! Mais attention : Scorsese n’est jamais nécrophile ou naphtalin, toujours dans le ravissement et l’éblouissement. Et rend hommage à ces fous filmant, inventeurs d’une science des rêves toujours à l’œuvre. Symboliquement, Scorsese s’inscrit lui-même dans cette généalogie en tant que passeur, à l’image du discret cameo qu’il effectue en photographe du studio Méliès.
Chapeau maestro !
4 – Enfin, le plaisir ne serait pas total si Hugo Cabret restait cantonné dans l’hommage pur et simple. Non content d’épuiser les potentialités de la 3D et de les magnifier, non comme gadget, mais comme moyen narratif, non content d’inscrire la 3D dans une perspective généalogique en dialoguant avec le cinéma des origines, Scorsese livre là un film purement scorsesien - les thèmes du passage, de l’intégration dans une communauté, de l’affranchissement d’un milieu pour en intégrer un autre, de la reconstruction d’une famille ne sont-il pas purement scorsesiens ? – et semble rassembler plusieurs familles de cinéma. Celle des frères Coen, via ces horloges mécaniques tout droit sorties du Grand saut, ou la présence au générique de Michael Stuhlbarg A serious man. Ou celle de Tim Burton : via la présence de Christopher Lee, l’un des acteurs fétiches du réalisateur, celle plus discrète, de Johnny Depp co-producteur du film, et sosie du Django Reinhardt apparaissant le temps d’une séquence, et celle de Sacha Baron Cohen, grain de folie à la Joe Pesci, déjà au générique de Sweeney Todd. Et du coup, de ravir tous les publics, du plus cinéphile au plus jeune, du plus scorsesien au plus burtonien.
Et on passera outre tous les petits défauts inhérents à ce genre d’entreprise – une topographie parisienne parfois hasardeuse ou une musique surabondante, et pas toujours du meilleur goût – pour mesurer le chemin parcouru – de Mean Streets à Casino, en passant par Le Temps de l’innocence ou Shine a light, quel parcours ! – et admirer cet auto-portrait de Scorsese en Hugo Cabret, la virtuosité d’un maître en pleine possession de ses moyens – chapeau l’artiste !
Travis Bickle
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